Descubriendo el otoño a través de la pintura

Hoy, 21 de septiembre, comienza el otoño en el hemisferio norte. El suelo se cubre cada día de una gruesa capa de hojas. Muchas mañanas la mirada se alza hacia un cielo cargado de nubes. En el campo, la tierra desprende el olor húmedo que nos lleva a un otoño que avanza. El frío nos envuelve con abrigos, guantes, bufandas y gorros. Cuando el día es soleado y el cielo se extiende en un azul nítido, sentimos el impulso de salir del refugio y pasear. El otoño marca un tiempo para caminar. Con botas, quizás, para ignorar el barro y los charcos.
El otoño, esa estación que se adueña de los árboles y los acicala, los embellece con bronces y dorados, siempre fue una de las estaciones preferidas de los artistas y una gran fuente de inspiración. Muchos se vieron atraídos por los intensos colores cálidos contrastando contra el azul del cielo. Otros, en cambio, preferían los días de luces tenues y atmósferas melancólicas. Algunos realizaron obras llenas de detalles y realismo, mientras que otros eligieron la síntesis formal.
En cualquier caso, esta época del año quedó plasmada en centenares de cuadros a lo largo de la historia del arte. ¿Qué tal si vemos algunos?

Otoño, álamos en Eragny - Camille Pissarro (1830-1903)
Camille Pissarro fue co-fundador del grupo de los impresionistas, el mayor del grupo y el único que participó de las 8 exposiciones que organizaron. Tuvo entre sus discípulos a Paul Cezanne y Paul Gauguin. Amaba la vida en el campo, contemplar el cambio de las estaciones y pintó la Francia rural al aire libre, la luz, el instante, la atmósfera, la impresión.
Era un observador silencioso de lo cotidiano, no le gustaba interferir en las escenas ni hacer posar a los modelos. Las figuras muchas veces son pequeñas, lejanas, apenas esbozadas y sumergidas en la naturaleza.
Capturaba la luz natural y la atmósfera de la escena con pinceladas sueltas y colores vibrantes que transmiten la tranquilidad y la belleza de los paisajes rurales, como en este estallido de dorados, verdes, ocres y amarillos del otoño en Eragny, donde Pissarro vivió y pintó desde 1884 hasta su muerte.

Marguerite en el jardín de Bellevue - Édouard Manet (1832-1883)
Esta pintura del artista impresionista francés Édouard Manet, realizada en 1880, representa a Marguerite, la cuñada de Manet, sentada en un jardín, leyendo un libro. La obra es un ejemplo del interés de Manet por capturar escenas de la vida cotidiana y la belleza efímera de la naturaleza. 
La pintura muestra a Marguerite en un entorno natural, rodeada de flores y árboles, creando una atmósfera de serenidad y tranquilidad. Manet utiliza pinceladas sueltas y colores intensos que captan la atención, características típicas del impresionismo, para dar vida a la escena. 
La obra fue realizada durante una estancia de Manet en Bellevue, un suburbio de París, donde se había trasladado para mejorar su salud. Durante este periodo, Manet pintó varias obras con Marguerite como protagonista, explorando temas relacionados con la naturaleza y la figura femenina en un entorno íntimo.

Otoño en el Sena, Argenteuil - Claude Monet (1840-1926)
En 1871, Claude Monet se había instalado en una casa en Argenteuil, cerca de París. Desde entonces su vida osciló entre las orillas del Sena y la costa de Normandía. En sus obras, Monet se alejaba de los patrones decorativos y de la recreación minuciosa del detalle. Frente al enfoque artesanal del
Modernismo, el Impresionismo buscaba plasmar con precisión la atmósfera en un instante preciso, como para no perder ese segundo mágico.
De ahí la obsesión de Monet por reproducir una misma escena en diferentes momentos del día o en distintas estaciones. "Otoño en el Sena, Argenteuil" muestra un paisaje del río Sena en otoño, con árboles en tonos cálidos y colores terrosos, pinceladas rápidas y sueltas para representar la luz suave y difuminada filtrándose, el agua del río y las hojas caídas, empleando colores vivos y cálidos para evocar la sensación del otoño y capturar la belleza transitoria de la temporada, invitando al espectador a contemplar el paso del tiempo. La intención es la de capturar la luz y la atmósfera efímera de la estación.
En el Attersee, la región del lago situada al sureste del estado de Alta Austria, el paisaje alpino marca una clara división entre la montaña y el lago. En Argenteuil, el Sena asume el protagonismo, en el Attersee son los álamos. La llanura se extiende, brumosa, hasta confundirse con el agua. Los perfiles se hacen difusos.
Cuando Monet paseaba por sus orillas en otoño, su mirada no se dirigía a los intrincados motivos creados por las hojas. Él volvía al discurrir de la corriente y buscaba fundir los reflejos a través de la luz. Buscaba la impresión, la continuidad del color. El reflejo invierte los troncos desnudos y la vegetación de la orilla. Es difícil distinguir dónde comienza la superficie del agua.
Más allá, el ojo del observador sigue la línea de álamos que bordean la ribera y marcan el camino en una curva anaranjada que se hunde en el horizonte. El otoño de Monet es encendido y luminoso.
El paseo de Monet es el del caminante en la llanura. Observamos la línea de álamos y deseamos seguir el sendero hasta que la luz se apague.

Le pont d´Argenteuil otoño - Pierre Auguste Renoir (1841-1919)
A diferencia de la mayoría de sus colegas impresionistas, Renoir se centró en la figura humana y, en concreto, en la figura humana femenina desnuda. Por cierto, nada anoréxica. Aunque también es cierto que ubicaba esos desnudos en paisajes, resultando un impresionismo sensual y hedonista. Bebió de las fuentes de Rubens y de la técnica y el estilo de Corot.
Diversión, fiesta sobre la agradable hierba, alegría de vivir. “Para mí, un cuadro debe ser algo amable, alegre y hermoso, sí, hermoso. Ya hay demasiadas cosas desagradables en la vida como para que nos inventemos más.”
La obra que hoy os traigo fue pintada un año después del desayuno más famoso del arte: “El almuerzo de los remeros”. Entre 1881 y 1882, Renoir cambió varias veces de lugar de trabajo, lugares que quedaron plasmados en diversos paisajes que estaba preparando para la Séptima Exposición de los impresionistas.
La escena retrata el puente de Argenteuil, un lugar emblemático del Sena muy frecuentado por los impresionistas, entre ellos Monet, Renoir y Sisley, bajo la atmósfera cálida del otoño. Paisajes fluviales idílicos, y el puente que era un motivo recurrente.
Predominan los tonos cálidos que contrastan con los azules intensos del cielo y del agua. La luz es vibrante, cambiante, casi líquida. Renoir capta la atmósfera del momento, mostrando reflejos que titilan en el agua y en las velas de los pequeños barcos que aportan dinamismo y vida. A la derecha, unas figuras humanas aparecen esbozadas, lo que añade escala y humanidad a la escena.

Camino en Alchamps, Arles - Paul Gauguin (1848-1903)
Esta obra de Paul Gauguin fue pintada durante su estancia en Arles, donde convivió con Vincent van Gogh. Es una pieza clave para entender la evolución de Gauguin desde el impresionismo hacia el sintetismo y el cloisonismo, estilos que marcaron su madurez artística. El cloisonismo es un estilo donde se utilizan colores planos, en contornos oscuros silueteados, perfectamente delimitados.
El tema es un camino rural bordeado por árboles en plena explosión otoñal. La composición conduce la mirada desde el primer plano, cálido y vibrante, hasta las construcciones rurales al fondo. La paleta de colores es intensa y emotiva. Destacan los rojos encendidos y los naranjas de las hojas, en contraste con los ocres dorados y los verdes que suavizan la escena. El cielo, casi blanco, refuerza el protagonismo del exaltado color terrestre.
El camino diagonal es el eje que organiza el cuadro y crea una sensación de profundidad. Los árboles alargados forman un arco protector que enmarca la escena y al fondo, una casa de piedra y un portón sugieren intimidad y refugio.
Gauguin emplea en este cuadro pinceladas planas y contornos definidos, alejándose del efecto impresionista. La atmósfera otoñal es muy fuerte y transmite algo de nostalgia.

El árbol de moras - Vincent Van Gogh (1853-1890)
También Van Gogh se nutrió de influencias del impresionismo y el puntillismo, pero evolucionó a un lenguaje muy personal caracterizado por sus pinceladas ondulantes. Esta obra fue pintada en 1889, durante su estancia en el sanatorio de Saint-Rémy-de-Provence, en uno de los periodos más intensos y creativos de su vida.
El tema de este cuadro es un árbol de moras en plena transformación otoñal, colocado en el centro de la composición, como un protagonista absoluto. El árbol ocupa casi todo el lienzo, con ramas que se retuercen hacia el cielo, transmitiendo movimiento y energía. Parece vibrar, como si el viento y la savia lo recorrieran. El fondo está tratado con pinceladas ondulantes que acompañan el ritmo de la figura central, generando una sensación casi hipnótica.
Los amarillos dorados y los ocres del follaje vibran contra el azul profundo del cielo. Hay toques de verdes y naranjas que aportan dinamismo. Pero los contrastes son violentos, reforzando la intensidad emocional. La luz parece irradiar desde dentro del árbol, como si estuviera vivo y palpitante.
Van Gogh utiliza su característica pincelada espesa y direccional (impasto), con la que crea volumen y textura.

Studio pour la Grande Jatte - Georges Pierre Seurat (1859-1891)
Este cuadro de Georges Pierre Seurat es un estudio preparatorio para una de las piezas más icónicas del puntillismo y el neoimpresionismo. La escena muestra un grupo de figuras dispersas en la ribera de un río, probablemente el Sena, en un ambiente de tranquilidad y ocio. Las figuras, algunas sentadas, otras de pie, quizá paseando o contemplando el agua, apenas esbozadas, se integran con el paisaje. No hay rostros definidos ni detalles precisos, las siluetas son más bien sugerencias, como si Seurat explorara la distribución espacial antes de entrar en detalle en la obra final.
Predominan los verdes, amarillos y ocres para el follaje y el césped, mientras que los tonos azulados y plateados del agua contrastan suavemente con la calidez de la vegetación. La luz parece filtrarse entre los árboles, creando un efecto vibrante.
Aunque aquí el puntillismo aún no está plenamente desarrollado, ya se perciben las pequeñas pinceladas separadas que luego caracterizarían su estilo definitivo. Es una fase intermedia, donde experimenta con la descomposición del color para capturar mejor la luz. Este estudio forma parte del proceso de creación de la monumental "Un dimanche après-midi à l'Île de la Grande Jatte", uno de los cuadros más emblemáticos del neoimpresionismo. Seurat realizó numerosos bocetos y estudios como este, probando atmósferas y sensaciones, más que la precisión de los contornos. La escena respira calma, silencio y un tiempo detenido, preludiando la estructura meticulosa de la obra final.

Bosque de hayas I - Gustav Klimt (1862-1918)
En otoño, algunos prefieren caminar por campo abierto. Al pintor Gustav Klimt sus pasos le llevaban hacia el bosque. Klimt, cuyas obras generaban agitadas controversias en Viena a causa de su particular visión del Modernismo, encontró un refugio en el Attersee, cerca de Salzburgo, en el oeste de Austria.
Desde 1890 pasó allí los veranos en una cabaña en el bosque de Weissenbach, a orillas del lago. Si en verano su mirada recaía sobre el agua, reproduciendo las variaciones de los reflejos sobre la superficie, en otoño se internaba en los bosques de abedules, hayas y abetos, que representaba con intensidad cromática.
Desde el cambio de siglo la superficie de sus obras había adquirido una textura dorada, de gran densidad decorativa. Así ocurre en obras cono El beso o en retratos como el de Adele Bloch-Bauer, en el que los motivos del vestido se funden, como si se tratase de un icono ortodoxo, con la minuciosa red de formas del fondo.
Así vio Gustav Klimt los bosques que rodeaban el Attersee. En Klimt cada hoja, cada línea que marca los troncos de las hayas, se individualiza. Los troncos desnudos de los árboles se elevan con un impulso vertical, como un telar que sirve de soporte a la riqueza de los patrones que crean los tonos pardos y dorados de las hojas caídas. El arte transforma la mirada sobre la naturaleza.
El paseo de Klimt lleva a la profundidad de los bosques germánicos, al terreno de la leyenda, donde los propios árboles parecen tomar vida y erigirse personajes en un relato compuesto por los tonos de las hojas que cubren el suelo

El Sena cerca de Samois – Paul Signac (1863-1935)
Partiendo del impresionismo, Georges Pierre Seurat desarrolló el puntillismo, continuado por artistas como Paul Signac. En sus obras, la pincelada se transforma en puntos de color y las escenas ganan luminosidad.
En esta obra la escena retrata un tramo del río Sena, en Samois-sur-Seine, un pueblo tranquilo de la región de Île-de-France. En el centro, unas casas blancas se reflejan suavemente en el agua, mientras que a ambos lados se extienden árboles frondosos que enmarcan la composición. Signac utiliza una paleta dominada por tonos ocres, dorados, verdes, azules y lilas, creando un ambiente de otoño luminoso. La luz del cielo se filtra a través de los árboles y se descompone en destellos sobre el agua.
Es un ejemplo magistral del puntillismo, pero en la variante más libre y vibrante de Signac: pinceladas cortas, rectangulares y visibles, aplicadas en mosaicos.
Cada toque de color puro interactúa con los que lo rodean, generando efectos ópticos de luminosidad sin necesidad de mezclas directas.

Parque de St Cloud Otoño - Wassily Kandinsky (1866-1944)
Esta pintura pertenece a la etapa temprana de Kandinsky y refleja el tránsito del artista desde el impresionismo y el fauvismo hacia la abstracción. La escena nos muestra un sendero que atraviesa un parque en otoño, probablemente el Parque de Saint-Cloud en las afueras de París, un lugar que el pintor solía visitar.
El camino está flanqueado por árboles altos y densos, que dejan pasar la luz de forma fragmentada y crean un juego de sombras y reflejos sobre el suelo. Al fondo, un pabellón o un mirador marca el punto de fuga de la perspectiva.
Predomina una paleta cálida y otoñal: ocres, dorados y naranjas intensos para el follaje, verdes profundos que aportan contraste en las sombras, toques de azul y celeste en el fondo, sugiriendo cielo y lejanía.
Kandinsky utiliza una pincelada pastosa, cargada y enérgica, que recuerda a Van Gogh. Los contornos no están definidos con precisión, las formas se disuelven en manchas de color.

Canal en Delft - Henri Eugène Le Sidaner (1862-1939)
Finalmente quería traeros a Henri Le Sidaner, que comenzó su carrera en la École des Beaux-Arts de París, pero agobiado por el ambiente académico, decidió trasladarse a Étaples, un pueblecito próximo a Pas de Calais.
Pintó básicamente paisajes septentrionales poblados de humildes personajes, adoptando un estilo que recuerda por una parte el naturalismo de Corot y por otra el puntillismo que lo influenció. Si bien tomó características del movimiento, se destacó por un particular uso de la luz, que le confiere a las escenas una atmósfera melancólica, como en esta preciosa pintura de otoño. Sus ambientes poéticos están impregnados de un sentimentalismo íntimo y personal.